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prod. Borscht

HUDSON GEESE
Bernardo Britto  |  États-Unis  |  2019  |  6 minutes  |  Programme Migrations

L'idée est simple. Elle pourrait paraître facile, voire réductrice. Raconter l'expérience migratoire par le biais de l'autobiographie d'une bernache. On imagine aisément toutes les maladresses, tous les raccourcis possibles qui rendraient le film insupportable. Hudson Geese, fort heureusement, les évite habilement. En quelques minutes à peine, le cinéaste américain Bernardo Britto esquisse une histoire tour à tour drôle, triste et intelligente ; son outarde nous parle de ses amours, de ses étendues d'herbe préférées, de son rapport à l'humanité. Puis elle nous décrit l'accident ayant mené à sa mort ainsi qu'à celle des sien·ne·s. Une tragédie, à échelle d'oiseau, qui relève du fait divers sans importance aux yeux de l'humain ; « personne », après tout, n'a été blessé dans l'incident. Personne sauf les victimes plumées, qui ne comptent pas dans l'équation.

Cette perspective animale que nous adoptons dès le premier plan du film fonctionne à merveille. On s'attache immédiatement à notre narrateur et on se reconnaît en lui, malgré sa différence. Le dessin y est, évidemment, pour quelque chose. Le trait est simple, expressif. Il souligne subtilement l'humour, qui s'arrime dans les ponctuations pince-sans-rire d'un montage où les coupes fonctionnent à la manière d'une écriture comique parfaitement calibrée. La gravité subtile et posée de la voix off trouve l'équilibre parfait entre l'émoi senti et l'absurdité. On se dit que ce monologue sur la vie, sa beauté comme sa fragilité, pourrait être le nôtre. Bien qu'il soit prononcé par un oiseau.

Mais Hudson Geese refuse qu'on le réduise à cette blague, aussi bonne soit-elle. Cette déshumanisation que décrit l'animal, après tout, est appliquée de la même manière à ces femmes et à ces hommes que l'on ne voit pas « comme des êtres à part entière, avec de vrais sentiments et de vraies émotions ». Celles et ceux que l'on réduit à une donnée statistique ou à une actualité, en faisant fi de leur expérience et de leur vécu bien réel. « On parlera de nous comme d'une nuisance, comme une flaque d'eau dans laquelle on met le pied en route pour le travail. » Il y en aura même quelques-uns pour dire « bon débarras », en ayant vent de leur décès. Comme si leur existence même était un désagrément, duquel on n'est pas mécontent d'être soulagé·e·s. (Alexandre Fontaine Rousseau)

prod. ONF

LA JEUNE FILLE QUI PLEURAIT DES PERLES
Chris Lavis et Maciek Szczerbowski  |  Québec  |  2025  |  17 minutes  |  Compétition 7

Près de 20 ans après leur passage remarqué aux Oscars pour leur extraordinaire premier court métrage d’animation en volume, Madame Tutli-Putli (2007), les cinéastes Chris Lavis et Maciek Szczerbowski reviennent cette fois de leur voyage à Hollywood auréolés d’une statuette dorée toute fraîche pour leur dernier film, La jeune fille qui pleurait des perles, lui aussi produit par l’ONF. Remarquable en tout point, cette œuvre coscénarisée avec l’artiste multidisciplinaire Isabelle Mandalian prouve par mille qu’il y a encore amplement de place pour les histoires originales au cinéma, quoiqu’en pensent les bonzes des studios américains. Et bien sûr, le court métrage est le domaine de choix de l’invention, de l’exploration, de la créativité, puisqu’on peut se permettre d’y essayer une foule de choses, tant sur le plan technique que narratif.

C’est exactement ce qu’a fait ici le duo de réalisateurs, avec cette histoire d’un grand-père qui raconte à sa petite-fille sa rencontre avec la jeune fille titulaire. Reposant sur un travail de capture de mouvement avec des comédien·ne·s en chair et en os, la précision de l’animation image par image est absolument époustouflante, créant des gestes et des déplacements criants de vérité — et tout spécialement avec les mains qui montrent une agilité d’un réalisme tellement authentique qu’on les croirait vivantes. La manipulation des fameuses perles, par exemple, est d’une délicatesse et d’une dextérité exemplaires. L’ensemble est aussi brillamment appuyé par une direction artistique rarement aussi élaborée pour un film d’animation, fruit du travail inspiré, merveilleusement réaliste et prodigieusement méticuleux de la photographe et artiste visuelle Brigitte Henry, déjà collaboratrice du duo sur leur film Higglety Pigglety Pop !(2009). Dans ses maquettes des masures de Saint-Henri, on reconnaît le Bonheur d’occasion de Gabrielle Roy, et la même minutie se reflète dans les pierres grises des bâtiments si reconnaissables du Vieux-Montréal, dans l’encombrement du pawnshop et dans l’élégance aérée de l’appartement parisien du grand-père.

Par-dessus tout, c’est la création de deux groupes de marionnettes complètement distinctes qui impressionne : celles du présent, très mobiles, incluant des yeux et, surtout, des bouches qui bougent à l’aide d’effets numériques ; et celles du passé (fantasmé ?), d’incroyables figurines qui sont pratiquement des sculptures expressionnistes peintes, avec leurs traits burinés et leurs cheveux lisses. Bien que leur apparence soit conçue pour rester parfaitement fixe, ces dernières semblent avoir été taillées dans du bois ou façonnées avec de l’argile ou du papier mâché, leur donnant des airs de Pinocchio ou de Guignol. Mensonge et caricature sont ainsi saupoudrés en filigrane, comme pour influencer subtilement notre appréciation du souvenir de jeunesse sublimé que le grand-père raconte en voix off à sa petite-fille dans le présent. Cela est d’autant plus efficace que le contraste créé par les deux styles artistiques des petites poupées souligne l’aspect « conte de fées » du récit évoqué par le vieil homme — pointant par là que, si ce narrateur n’est peut-être pas complètement fiable, il demeure un conteur hors pair. Comme pour le héros de Life of Pi avant lui, la puissance d’une histoire racontée n’est pas à sous-estimer. (Claire Valade)

prod. Remembers

DIEU EST TIMIDE
Jocelyn Charles  |  France  |  2025  |  15 minutes  |  Compétition 7

Court métrage d’horreur animé extrêmement réussi, Dieu est timide s’inscrit dans la grande tradition anglophone des portmanteau films (films à sketchs) horrifiques, comme Dead of Night (1945). Singulièrement prolifique dans ce genre cinématographique, ce type de films ancre plusieurs personnages dans un lieu commun, puis illustre une série de courtes histoires racontées par chacun d’entre eux à tour de rôle. Dans le cas présent, nous sommes installé·e·s avec les protagonistes dans un train qui traverse la campagne française. Depuis ce lieu mouvant, nous aurons droit au déploiement de petites anecdotes évoquées par Paul et Ariel, couple d’ami·e·s qui s’amusent à crayonner leurs plus grandes frayeurs (de celles qui glacent le sang !) en regardant défiler le paysage, et par Gilda, une (très !) étrange vieille dame qui ressemble beaucoup trop à leurs dessins.

Avec un savoir-faire impressionnant dans le dosage dramatique, un doigté remarquable pour le détail qui tue (particulièrement le choix troublant des couleurs de peau et d’yeux) et des références cinématographiques inspirées, le jeune cinéaste français Jocelyn Charles accomplit un petit miracle d’horreur organique. Dès le départ, avec cette femme jaune qui nage dans un ruisseau au milieu des canards et ce sang répandu sur la table d’un compartiment de train, il installe une ambiance dérangeante qui pointe vers le drame. On sent bien que tout va mal finir. Puis, évoquant Kubrick et The Shining (1980), les mythes et l’épouvante à la japonaise comme Ringu (1998), Cronenberg et sa prédilection pour le body horror, les frayeurs qu’illustrent Paul et Ariel, puis le récit épouvantable de Gilda ont tous les attributs de ce sous-genre de l’horreur (la peur d’être gros, d’être enceinte, les femmes et l’eau insondable, la transformation du dormeur, les saignements de nez, l’automutilation, les dents qui tombent).

En travaillant le dessin de façon à la fois figurative dans le trait, et fauviste/impressionniste dans l’application de la couleur, le film rappelle un peu l’extraordinaire expressivité d’Amélie et la métaphysique des tubes de Maïlys Vallade et Liane-Cho Han (2025), mais aussi cet intangible mystérieux et angoissant du dernier long métrage de Félix Dufour-Laferrière, La mort n’existe pas (2025). La discussion entre les personnages est aussi tellement naturelle qu’elle crée une ambiguïté qui ajoute au sentiment de malaise : est-ce une conversation réelle, que le cinéaste a enregistrée et décidé d’animer, ou ce dialogue a-t-il été écrit pour l’occasion ? Film-cauchemar à la fin ouverte, Dieu est timide nous laisse sur une foule de questions qui ne font rien pour calmer l’inconfort qu’il a créé. Mais comme le suggère la voix d’outre-monde qui parle à Gilda, peut-être est-ce préférable de ne pas trop insister et de ne pas creuser trop loin pour connaître des choses que nous ne sommes pas prêt·e·s à découvrir… (Claire Valade)